Relatoria CEPA Música Sexta Reunión

RELATORIA SESIÓN 6. 05 de Noviembre de 2011

Asistentes: LUIS CARLOS LEÓN

JHON JAIRO MUÑOZ

SANTIAGO PIÑERUA

ESTEBAN NASIF

MARILENA CORTÉS

NIDIA LADINO

MARCO GUERRERO

GIOVANNA MOGOLLÓN

REFLEXIONES DE LA SESIÓN

-          El trabajo se hace por Vocación, muchas veces, se piensa en el sustento, pero es difícil.  Depende del estilo de vida y de lo que cada uno quiera.

-          Relaciones y posiciones de poder

-          Conflicto en el que se encuentra el artista algunas veces al deber/tener que volverse docente

-          La calificación en el aula de clase vista como un elemento que cohíbe desarrollos y procesos. La escuela como espacio de calificación y no de aprendizaje. ¿Cómo evaluar cuando uno es consciente de que lo que se les está dando a los niños no es suficiente?

-          El juego es una de las bases del aprendizaje.

-          Dar herramientas que les sirvan a los niños para desenvolverse en el mundo real que es tan competitivo.

-          Cómo el CEPA llega a puntos de cuestionamientos desde el conocimiento y experiencia de las aulas de clase.

-          ¿Nuestro objetivo es que todos estudien música, o es ofrecerles objetivos, metas, que lleguen a la universidad? Queremos ser los arregladores de la vida.

-          Queda pendiente avisar a los profesores que día va a ser la socialización de la experiencia de los CEPAS

Lectura del profesor Luis Carlos León: El docente en artes se para en el tablero escolar (haciendo alusión al juego de ajedrez); éste se enfrenta en el trajinar diario a lo artístico y lo pedagógico, de privilegiar o escoger uno y así resulta el perfil del docente de artes, donde se está todo el tiempo jugando y buscando el equilibrio entre lo estético y lo pedagógico, lo que muchas veces genera una ausencia de horizonte, de recursos o el anonimato. En el transito del perfil a la realidad se ven docentes con manos llenas pendiente de todo (sus estudiantes, los instrumentos, los festivales, los ensayos, entre otros). El docente de artes tiene múltiples espacios por donde se mueve y el menos reconocido es su salón de clases, por lo que, respondiendo a una necesidad de visibilización, actúa todo el tiempo en diferentes espacios, en diferentes escenarios porque hay mucho que mostrar; se muestra el resultado y el proceso, la gestión, la puesta en escena, el montaje y el crecimiento de los estudiantes.

Poética en la escritura.

A partir de ésta lectura surgen varias reflexiones:

Giovanna: Papel del artista docente: ¿se están tomando más trabajo del que les piden? Y las relaciones de poder que se dan cotidianamente en todos y cada uno de los espacios a los que se pertenece.

Creen que es cuestión de vocación y una necesidad de dar y de mostrar. Luis Carlos cree que históricamente el músico siempre ha estado cerca al poder pero nunca lo ha tenido. Tiene el poder de transformar, y Santiago cree que lo hace a veces sin que el rey se dé cuenta; sin ser la cabeza visible se pueden hacer muchas cosas, esa puede ser la estrategia; y la pregunta es ¿se quiere llegar al poder? ¿Quiere responsabilizarse más? ¿Quiere ser la cabeza? Es mejor estar en medio para poder hacer, pues está en un escalón cercano. Uno influye en procesos que uno no se imagina a dónde van a llegar ni lo qué se va lograr con ellos.

Ver Poder: Mr Holand Opus, Maestro de Ilusiones (película): Resuelve cuestiones de docencia sin ser pedagogo, resolviendo otros problemas externos.

A raíz de esa película Jhon Jairo recuerda que para él era un conflicto pasar además de ser músico en ser docente, entre otras por la estabilidad económica y el trabajo fijo, y cree que ha la docencia hay que buscarle el lado bueno y seguirla sin dejar el músico y artista que se tiene por dentro.

Santiago retoma el punto de la vocación, y cree que hay un pago por el trabajo mucho mayor al económico y es lo gratificante de cambiar vidas pues los estudiantes por dentro no van ser los mismos individuos después de que pasan por nuestras manos; “ver la influencia que uno tiene en otro, uno se siente agradecido por poder enseñarles”. Propone un ejercicio para hacer en clase partiendo de una experiencia con el profesor Eliecer Arenas, en la que se les pone 5 a los estudiantes en la nota y a partir del no tener que preocuparse por ella, salen cosas diferentes, los niños trabajan diferente, permitir el espacio para hacer las cosas, para construir. Lograr algo en los estudiantes es lo que nos motiva a seguir ejerciendo la pedagogía.

Para Luis Carlos lo numérico es un elemento casi que fundamental en la escuela, muchos niños no van a aprender y muchos maestros no vamos a enseñar sino a calificar y a evaluar, y ahora el tema no es cómo enseñar, lo metodológico, objetivos, sino que todo se volvió cómo evaluar, qué, hasta dónde. Los estudiantes nunca reclaman que quieren aprender más sino que quieren sacarse más nota. ¿Cómo funciona eso en lo artístico? La escuela como espacio de calificación y no de aprendizaje. Se está pensando que como es una materia “lúdica” nadie puede perder.

Lúdica. Jhon Jairo pregunta acerca del significado es la palabra lúdica, muchas veces está mal vista y hasta por nosotros, pero es muy importante, no la materia de relleno.

Esteban: Ludo del latín escuela.

Luis Carlos se pregunta acerca de qué es lo dinámico y qué es lo lúdico en una clase, ¿solo saltar y no pensar? Si usted juega y aprende y ahí se justifica lo lúdico.

Santiago: Lúdica: lúdica es simplemente divertimento. Hay tantos procesos detrás del divertirse que no es lógico que digan que no se aprende. Cuando el arte entra a la academia se rompe la lógica de lo que es hacer arte. ¿Qué es conservatorio y porqué se llama así? Lo primero que se enseña en música es copiar, tocar como alguien, como componía, al principio no hay mucho espacio para la creación, entonces desde esas lógicas también uno empieza a enseñar y a repetir esos patrones, y por ejemplo, hay que pensar qué se le enseña a los niños que no quieren ser músicos, ¿se están divirtiendo por lo menos haciendo música?

Luis Carlos: ¿Es necesario el arte en la escuela o es necesario que el arte entre en la escuela? Se les ha cambiado la vida a muchos estudiantes, pero cuantos otros consideran que es algo que no vale la pena; entonces sería interesante poder saber quiénes son los realmente interesados y comprometidos y así los resultados serían de mucho más nivel.

Jhon: Entonces qué se hace con el ser humano que no tiene idea de que existe el arte y la única manera para acercarse es en la escuela.

 Luis Carlos: La formación artística en los colegios se está viendo como “asistencialismo”, que los niños vean por periodos un poco de música, como funciona una flauta, para que conozcan algo, pero no hay espacio para procesos continuos. 

Santiago: Entonces cómo evaluar cuando uno es consciente de que lo que se les está dando a los niños no es suficiente; cómo medir eso, como medir si el niño ya es cercano a la música, y si no lo es entonces no es competente.

Jhon: Cuando uno estudio aprendió de esas formas, desde lo cuadriculada que es la escuela. Uno quisiera dar más al ver todas las necesidades que hay, y entonces qué hacemos ante eso como seres humanos, como maestros, debemos adentrarnos en un proceso llamado desaprender, pues a veces uno termina enseñándoles a los niños como no le gustaba que le enseñaran a uno, le salen a uno esas cosas; hay que crear estrategias para darles a los niños lo que uno más pueda, volverse a hace uno como persona. El maestro debe tener creatividad en el aula de clase, buscar estrategias, estar en constante renovación, pues si uno está feliz le va a llegar más fácil a los niños.

Esteban: No hay que perder la oportunidad de jugar con la música y con los estudiantes, hay que perder el miedo a la evaluación, el juego es una de las bases del aprendizaje; hay que creernos el poder que tenemos de hacer cosas con la música y desde la música para cambiar las cosas.

Santiago: Parte de llegar a ser feliz es saber a qué le apuesta uno en la enseñanza musical, si es a qué pasen o aprendan; si uno se quita el problema de la nota para ellos es mucho más fácil. La idea de calificar es problemática porque se califica desde varias ópticas institucionales y no desde el que está sentado aprendiendo. Proponer un logro o un objetivo apuesta hacia el producto, y no tanto hacía el proceso, y jugar en la educación artística implica salirse un poco de medir los conocimientos.

EVALUAR/CALIFICAR

Marilena: Calificar el arte es complejo, los muchachos están acostumbrados a la nota y si no se hace así no se trabaja. Le funciona mucho poner a los niños a calificarse que se pongan una cifra a lo que creen que han aprendido.

Santiago cree que eso es lo que hay que romper; buscar que los niños se apropien de las cosas más allá de la nota y sean conscientes de que tanto han aprendido. Si no somos un “área fundamental” porque nos preocupamos por la nota; porque siempre estamos pensando en darnos importancia frente a quién, de legitimarnos frente a otras formas de conocimiento, de buscar aprobación constante. 

Luis Carlos: Si la enseñanza musical no estuviera normativizada sería diferente; la escuela como la conocemos hoy no era así. La música necesito legitimarse ingresando a la escuela para que se viera como un saber válido, y uno de sus elementos legitimadores es la nota, y hay que decirles a los niños que nos olvidemos de la nota, que no se puede obviar pero que no debe ser lo más importante.

Santiago: Hay que lograr que los niños se interesen por aprender y no por presentar, enseñar música para el individuo, PAIDEIA como decían los griegos, es educación.

Nidia: ¿Por qué se dio la necesidad de evaluar y de calificar? Hay diferencia entre los dos. Es un deber preguntarse qué busca uno, que la gente aprenda, que tengan ciertas experiencias, que produzcan, o que las personas se transformen, para lograr verdaderas transformaciones y que los niños se interesen realmente. Ese problema no es solo del arte sino de la escuela en general; debemos despertar la creatividad, la producción, la sensibilidad, las habilidades sociales y musicales; hay que preparar a los chicos para que se sientan capaces de afrontar la realidad, potencializar sus habilidades y capacidades así no vayan a ser músicos, sino como personas y seres humanos en general; que sepan que hacer y cómo actuar en medio de este mundo competitivo. Cuando uno se encuentra con sus compañeros pares y ve que ellos hacen lo mismo que uno es porque hay una necesidad latente de visibilizarnos, de trabajar, de reconocimiento.

Los profesores deberían hacer los lineamientos. Los grandes pensadores qué están pensando de la escuela, del distrito, de lo que se hace ahí. Operatividad de desarrollo de la herramienta corporeidad, arte y creatividad, FUNCIONALIDAD.

Santiago: El fin de la educación escolar es formar al sujeto, que tenga criterios, juicios y capacidad de argumentar ideas. El sistema tiene muchas contraposiciones pues debe incentivar el desarrollo de la personalidad, el libre pensamiento y la autonomía, y al mismo tiempo debe obedecer las normas y hacer caso a las prohibiciones.

Jhon: Vivimos en una sociedad donde todo el tiempo nos están calificando: dar una nota, un número, donde se evalúa el desempeño, y hay que mostrarle a los niños que ese no es el fin último.

Estereotipo del músico, prejuicio. Papel del músico en la sociedad. Actuando en pro de la aceptación de otros, de la aprobación.

Marco: El músico desde músico mismo no se está reconociendo como tal, no reconoce su trabajo, no reconoce la profesión, lo que es ser artista.

Evaluar/Calificar ¿Qué es lo que se propone la educación? Doble moral en los discursos educativos, institucionales, sociales; no hay coherencia entre las palabras y las acciones. Siempre se está pensando en cambiar las instituciones, sus maneras, o en cambiar a los individuos, y hay cambios pequeños que son mucho más útiles y significativos, y que cuando logran no institucionalizarse forman una contraparte del sistema: hay que salirse de la lógica para generar cambios trascendentes. La función del arte en la escuela debe ser la de transformar; hay que intentar entrar en las lógicas modernas e ir caminando con los cambios del mundo de hoy.

Cómo el CEPA llega a puntos de cuestionamientos desde el conocimiento y experiencia de las aulas de clase.

Desde el arte se les quiere ayudar a todos, salvar de algo a los muchachos todo el tiempo.

Luis Carlos: ¿Una buena calificación vale una crisis? Las lógicas son diferentes. La vocación entendida desde donde, si se ve en términos religiosos tenemos que ser salvadores del mundo, y hay que ir hasta donde sea, pero si esta vocación tiene otras miradas las respuestas hacía lo cotidiano son diferentes.

Marilena: Cada día ir al colegio es un reto. La misión es llegarle a los complicados, motivarlos al trabajo.

Esteban: Hay que pensar en el que sí quiere para darle y ayudarle a lograr lo que quiere.  Apostarle a uno aunque sea, hay que ofrecerles otras cosas a los estudiantes, no a formar mano de obra barata sino a abrirles la mente y ofrecerles otras opciones, y así uno se motiva y defiende su quehacer y cumple su función.

Nidia: Se les apuesta a todos pero no a todos por igual, todos tienen que tener la experiencia para que alguien logre identificarse con lo que se le está enseñando. El maestro debe ser muy observador para brindarles a todos experiencias y para dar posibilidades y para poder impulsar al que tiene.

Santiago: Hay que estar pendiente de lo que quiere uno como persona, de los propios deseos, qué propone uno cuando un estudiante no quiere serlo, o cuando nos levantamos sin querer ser docentes; hay que reconocer que ser docente es por gusto, que hace parte de lo que es uno y no vender a los estudiantes la idea de que somos perfectos, hay momentos en que no quisiera escuchar la música como la escucha; hay que generar espacios para que ellos sean lo que quieran ser.

Jhon: ¿Nuestro objetivo es que todos estudien música, o es ofrecerles objetivos, metas, que lleguen a la universidad? Queremos ser los arregladores de la vida.

Marco: ¿Por qué soy lo que soy y para qué? Porque me gusta y por eso lo hago, sentirse bien con lo que se hace.

¿PARA QUE ESCRIBIMOS? Fundamentalmente para nosotros mismos, para criticar y crecer desde el análisis a mi práctica, puede ser a mí mismo o a mí entorno, para aportar mi pensamiento a otros y construir y compartir con ellos. Pensarse como seres históricos, no sabemos qué pasará ahora, el colegio como está ahora no continuará así, los contextos cambiaran. Volcar la mirada hacía mí, a lo que quiero y me gusta.

Relatoria CEPA Música Quinta Reunión

RELATORIA SESIÓN 5. 29 de Octubre de 2011

Asistentes: LUIS CARLOS LEÓN

JHON JAIRO MUÑOZ

SANTIAGO PIÑERUA

ESTEBAN NASIF

NIDIA LADINO

MARILENA CORTÉS

MARLENY MÉNDEZ

MARCO GUERRERO

GIOVANNA MOGOLLÓN

REFLEXIONES DE LA SESIÓN:

- Se habla de música no solo a través de las palabras sino también a través de la ropa, de cómo se evidencia el gusto por un género musical por medio de lo que uso: cómo se dice a través del cuerpo.

- ¿En la música el cuerpo se asocia con qué, con el movimiento? ¿Cómo es ese movimiento? O ¿cómo vemos el cuerpo desde la música?

- ¿Cómo nos asociamos y vinculamos con la realidad social y política del país, como nos asumimos, indiferentes o proactivos?

- Dicotomía entre músico/artista y docente.

- ¿Para qué les sirve a los niños conocer la teoría musical, para qué sean más conscientes de lo que hacen o se les está enseñando para confundirlos y complejizar demasiado?

- ¿Qué es la música difícil? ¿Es difícil porque tiene muchos intervalos?

- ¿Qué es la vida consciente, que es la música consciente, para qué sirve?

- El proceso de construcción de las prácticas artísticas es un proceso de identidad

- La importancia de que el maestro artista también muestre desde su práctica (a algunos docentes se les dificulta por tiempo o por intereses)

- Reacciones positivas de los estudiantes al ver que su maestro también muestra y se muestra

- ¿Qué es un festival, una fiesta, qué hace la música en estos contextos? Alterar el orden, subvertirlo, cambiar la sonoridad porque ahí se da el cambio, la creatividad, el espacio para reconocerse.

-¿Qué es apropiación, que significa?

Soledad del profesor de música dentro de las instituciones escolares por no tener un par con quién compartir acerca de sus conocimientos, ni hablando con los de otras áreas. En el colegio no se ve, por ejemplo, a los profesores de otras áreas hablando de sus temas, ni es tan evidente el área a la que pertenecen, como sucede en el caso de los músicos.

Caracterización de lo que pueden ser los encuentros y las visitas:

1)      Entrevistas: en los otros cepas se ha pedido que se hable con el rector, o con el consejo académico o el directivo; también charlas con los estudiantes, con los demás maestros, que se indague con los actores del medio.

2)      Observación discreta, ir, mirar, y comentar  acerca del trabajo

3)      Observación activa, participando, preguntando

4)      Taller: se ve como un poco artificial pues la idea no es ir y creer que alguien externo va a enseñar, está lejos de esa pretensión

5)      Luego se hará un encuentro sobre la visita, donde se socializará lo encontrado, los puntos de vista, las preguntas.

6)      Tal vez algún profesor quiera hacer un documento previo a la clase, por ejemplo, para corroborar si lo que creo que hago es lo que hago.

Se hace una invitación a todos los docentes asistentes al CEPA para que él que quiera acompañar las visitas a los colegios de sus compañeros se sienta libre y bienvenido para hacerlo.

MARCO: Cuerpo: El traje se ve como parte del cuerpo, no se piensa en un cuerpo desnudo sino que dice desde el vestuario e indumentaria que se usa. Cómo se ve en el espacio escolar, en el colegio se prohíben los piercing, los tatuajes, el maquillaje, y esto lo que refleja es qué el uso de ciertos códigos visuales va hacía la identificación con un  género musical, su ropa, su peinado, las posturas corporales, adaptan el uniforme a sus gustos, no quedan neutros, entuban el pantalón, entonces hay que reflexionar cómo se dice a través del cuerpo.

Hay que preguntarse ¿el cuerpo cómo? Se está hablando de un cuerpo natural contrario a un cuerpo domesticado, no cuerpo disciplinado (como lo habla Foucault). En la música se doméstica, se dice cómo debe pararse, la manera técnica, la postura, la alineación, entonces hay que pensar hasta donde es así y hasta donde no. Cabe preguntarse entonces sí la educación del cuerpo para el músico es el movimiento o con qué tiene que ver; cómo en el trabajo pedagógico del aula estamos trabajando estás reflexiones.

También se ha reflexionado acerca de la relación con los demás compañeros docentes pues algunas veces se ve como una relación conflictiva porque se cree y/o se ve a los docentes de artes como los “diferentes”, entonces hay que preguntarse ¿hasta dónde somos distintos, si estamos solos dentro del colegio, qué relaciones se están dando con los demás, con el movimiento pedagógico, con las tendencias de pedagogía, con las tendencias del arte; cómo nos relacionamos con los otros, con la vida, o si siempre nos creemos muy especiales, cómo nos relacionamos frente a la cotidianidad, frente al gremio musical, frente a los derechos, sabemos qué implicaría una jornada doble, con respecto a las leyes como la 30 qué pensamos, cuál es nuestra posición/acción política, nos involucramos con la cotidianidad? Marco invita a elevar la mirada y a vernos como todo eso otro que somos.

Luis Carlos: Comenta que en la Universidad Pedagógica no están en paro los de música, entonces cómo nos estamos formando con respecto a la actitud y visión política; entonces ahí se piensa qué está pasando con los niveles de formación y actuaciones como estás son las que generan malestar con los demás estudiantes y se van dando las enemistades de lo que sí están en el proceso, pero también hay coherencia por parte de los maestro pues la mayoría son catedráticos que si no dan la clase no reciben sueldo ¿dónde está la conciencia, o el compromiso o el análisis, la formación como sujeto político? La expresión del arte por encima de todo es bien profunda y hay que analizarla.

Esteban: La Ley 30 toca a las Normales porque en la primera propuesta de reforma se decía que el normalista pasa a ser un estudio técnico (educación superior) y no solo de bachillerato, pasarían a ser escuelas de enseñanza técnica. Luis Carlos cree que depende de donde se vea esto es bueno y malo, pues no entiende si lo que se pretende es repartir títulos simplemente, y se pregunta si la sociedad le quiere entregar los niños a otros de 17, 18 años, lo dice por la experiencia y la formación; en otros países los maestros de preescolar deben tener mucha formación.

Lecturas profesores Jhon Jairo y Nidia

Profesor Jhon Jairo: Cree que el perfil del maestro de música actual, y de arte, debe ser una persona inquieta, preocupada e interesada en sí mismo y en constante actualización y capacitación, que no solo sea músico sino también artista, que sea apasionado hacía su práctica, que implemente varias actividades como la pintura y el baile para motivar a los niños, busca la integración artística para enseñar a los niños, pues la música necesita de las demás disciplinas para ser entendida y apropiada por el cuerpo. Personalmente le gusta mostrar pues considera que es una motivación para todos, y que se puede hacer en cualquier espacio, muestra hasta sin darse cuenta y sin proponérselo pues toda la comunidad lo nota y nota los cambios. Lo que muestras refleja lo que trabajas y lo que se es como maestro. Se plantea preguntas como ¿qué es ser músico? ¿Qué es ser artista?

Nidia: Empieza preguntándose qué está enseñando en música; parte de que los estudiantes aprendan a trabajar en equipo, a convivir, a asumir retos, responsabilidades, y maneras adecuadas de comportamiento por medio de unos mínimos de convivencia. Desde la clase de música se fundamenta en cuatro aspectos: sensibilidad y percepción, creación y producción, interpretación individual y en grupo, y memoria e identidad cultural (todos tienen relación con el cuerpo).

Para su escrito empezó sistematizando las actividades que realiza durante sus clases y se dio cuenta de todos los aspectos que está trabajando, generando así una conciencia acerca de lo que hace, estructurándolo de la siguiente manera:

-          Escuchar: sensibilizarse frente al sonido sin producirlo. Escuchar los sonidos del cuerpo, los tonos y registros de voz, producir sonidos musicales, silenciar el cuerpo, no producir sonidos intencionalmente.

-          Postura y movimiento corporal: que cada uno tengo su espacio, se ubiquen, explorando posibilidades de movimiento, el cuerpo en la escuela es un territorio que no se utiliza, es casi desconocido, a muchos les da pena o risa; trabaja con base en posiciones propuestas por María Olga Piñeros

-          Expresión corporal: posibilidades expresivas del cuerpo

-          Coordinación motriz: juegos, rimas, rondas, canciones, audiciones

-          Repertorio: se busca en relación a los proyectos que se realizan en la institución, se construyen rimas, coplas, poesías, canciones. Trabaja la memoria

-          Técnica vocal: la voz es el instrumento musical por excelencia a desarrollar en el colegio

-          Desarrollo instrumental: comprender la musicalidad de su cuerpo y trasladarla a un instrumento. Valorar el instrumento, que lo cuiden.

-          Gramática musical

-          Asistencia a conciertos

-          Construcción de instrumentos

-          Organizar montaje artístico

Iteistasprimaria.ming.com: página de vídeos de los chicos

Mostrar porqué: no solamente es importante sino también necesario, permite a las personas conocerse en el manejo de emociones, sentimientos, ayuda a formarlos como espectador para que valoren el trabajo, ve la sensibilidad de otros, mejora la autoestima por el reconocimiento que reciben. El arte permite crear nuevos mundos a partir de la puesta en escena.

TEMA DE LA MEMORIA, de ejercitarla, para ser consciente de lo que se está haciendo.

Se generó una discusión acerca de para qué les sirve a los niños saber de una tercera mayor, enseñarles toda la teoría, ponerlos a pensar acerca de la afinación, y acerca de la escogencia del repertorio para mostrar partes del todo, y le exige al maestro una revisión profunda de ese repertorio.

Para Santiago se hace para que el niño pueda ser consciente de lo que se está haciendo; las cosas se aprenden y se hacen pero muchas veces no se entiende qué es lo que se está haciendo, qué significan dentro de en un discurso musical. La pregunta por el intervalo o por escoger el repertorio con respecto a enseñar un intervalo en una canción va más a la parte del proceso de aprendizaje del niño en ese momento de formación.

Enseñanza del instrumento: Se está haciendo enseñanza jerárquica, por niveles, primero esto, luego lo otro, sino alcanza eso no puede seguir, como si fuera para aprender a multiplicar deben saber sumar. No se hace simultáneamente. Deben tener un cumulo de conocimiento para poder continuar. 

Jhon: ¿Cuándo cantamos pensamos en los intervalos? Se hacen naturalmente y no hay que confundir tanto a los niños con eso. 

Luis Carlos: Hay que pensar en los estándares dónde se quiere poner a los estudiantes musicalmente, para qué le sirve a un estudiante solo afinar, hay que avanzar con él y mostrarle la diferencia entre un intervalo, hay que llevarlos a aspectos gramaticales conscientes, si ellos fueran de más nivel les alcanzaría lo que se les está enseñando en el colegio para seguir estudiando, no solo quedarse con que el niño sea afinado, la enseñanza no se puede quedar solo en eso sino ver que si el niño quiere más hay que dárselo. ¿Entonces cuáles son los mínimos del conocimiento, los estándares? No solo que manejen el lenguaje sino que den cuenta de él.

**

Marco platea interrogantes para reflexionar como ¿cuál es la música más difícil y porqué lo es, es por qué tiene muchos intervalos, o es la que menos tiene? Cree que la música que consideramos difícil es la música que no conocemos.

¿Para qué sirve distinguir entre el verbo y el sustantivo, para qué distinguir si afino, la cuarta, la tercera, entonces qué es la vida consciente, que es la música consciente, para qué sirve ser consciente de algo?

Por otro lado, mostrar y mostrarse es una manera de decir soy yo, de reconocerme y de que me reconozcan.

Santiago: como lo dice el profesor Jhon en su lectura, el proceso de construcción de las prácticas artísticas es un proceso de identidad y ahí el estudiante coge lo que quiere y lo coge desde su contexto y lo traduce desde quién es él en pro de su construcción, constituye elementos de lo que él va a hacer con la información que se le está dando, de quién va a ser con eso, de si va a quedar marcado de por vida o si se le están dando cosas que van a pasar y ya. La reflexión sobre identidad y memoria de Nidia no se hace mucho en los colegios por las dinámicas que se generar en él, por la inmediatez, por eso no se generan significaciones importantes en los estudiantes porque se enseñan cosas alejadas de sus contextos y sus discursos. “Hay que traducir un poco de lo que tenemos como imaginario de qué es la música en palabras que ellos entiendan, enseñarle algunas herramientas para lo que él quiera o no quiera hacer”.

Nidia: Sobre el escrito creo que hemos procurado que el maestro también se muestre no solo el estudiante, que cada maestro muestre su trabajo artístico, en el colegio hay una muestra pedagógica para que cada maestro comparta lo que hace; para los estudiantes éste espacio es muy importante pues nos ven hacer lo que les estamos pidiendo, pero no lo hemos podido mantener porque hay maestros músicos a los que no les gusta mostrarse, les cuesta trabajo mostrarse, sea por tiempo o por intereses, si uno quiere puede montar una o dos cosas y la experiencia va a ser muy interesante.

Santiago: Musicalmente los profesores pueden hacer cosas pero no fluye de la misma manera porque no existe el gusto, es cuestión de actitud y con eso mismo se enseña. En el colegio se montaban al principio las misas entre los 7 profesores de música, y este ejercicio fue una motivación para que los niños quisieran aprender a tocar lo que estaban viendo.

Esteban: En el colegio se pudo hacer un grupo con solo profesores para cantarles a los niños en sus días especiales, y a los niños les gusta mucho, les llama mucho la atención. Ese día hubo fiesta en el colegio.

Nidia: En mi colegio a los profesores les da menos pena bailar que tocar; a los profesores del colegio les da un poco de pena hacer música, hay más atención y más participación cuando es para bailar, ellos son buenos en hacer rimas y coplas y cantar algunas cosas pero les da pena presentarse.

Marco: Los momentos de fiesta convocan a la comunidad, por ejemplo, el carnaval de Bogotá es el Halloween, la gente se disfraza sin ningún problema, con naturalidad, hay cosas que convocan mucho a los estudiantes. La fiesta se ve lejana al contexto escolar pues allá se va es a estudiar, no se ve como un tema importante para desarrollar otras habilidades; el colegio se ve como un lugar donde no se va a divertirse, entonces ¿qué es un festival, una fiesta, qué hace la música en estos contextos? Alterar el orden, subvertirlo, cambiar la sonoridad porque ahí se da el cambio, la creatividad y la creación, el espacio para reconocerse. En un carnaval se celebra que en el año todo haya salido bien, que la productividad y la cosecha hayan sido buenas, de ahí salió.

Nidia: Disfrazarse cuando se vuelve normal ya hace que estemos tranquilos, pues exponerse frente a las miradas es difícil, da miedo. En el colegio se ve el espacio de un carnaval como perder tiempo, como algo que distrae, porque no se ve como un trabajo pedagógico en donde cada uno puede expresarse desde su individualidad. Para mí la fiesta, el carnaval, es la reunión del esfuerzo y de todo un trabajo en equipo para lograrlo.

Marilena: El arte y la música ayudan a salir de los esquemas, a romper rutinas, la gente vive muy cuadriculada en sus cosas y nosotros tenemos la misión de salir de ahí. En eventos como los carnavales se ven valores como la convivencia y el trabajo en equipo.

Esteban: En Bogotá no se siente tan fuerte lo que es un carnaval o la fiesta, en Pasto por ejemplo, invade todo, los colegios participan, los niños arrancan con el carnavalito, y con ellos hay un trabajo extra, están en vacaciones pero aun así participan, se genera identidad.

Luis Carlos: En el colegio todo es netamente normativo, en el carnaval se rompen las normas, por eso es absurdo que haya carnavales por decreto, que se institucionalice, hay una tensión entre lo normativo de la escuela y lo contrario de la esencia del carnaval que es el rompimiento de las normas, es como institucionalizar el muero de los grafitis. El sustrato o la esencia misma del carnaval es ser subversivo.

Marco pregunta qué es la apropiación, qué significa, qué es apropiarse del espacio, resignificarlo, usarlo para cosas que tradicionalmente no se utilizan, por ejemplo, hacer misa en un centro comercial.

Cronograma de visitas, encuentros.

1) Santiago Piñerúa: Instituto Técnico Industrial Centro Don Bosco; Jornada Única (6:30 a 12:30, 1:30 a 5:15); Avenida El Dorado # 69 – 96. Teléfono: 317 2609026. Colegio: 2 63 08 08 Ext 141. Ir un miércoles que están todos los muchachos de taller. El letrero del taller de música dice Lúdicas y es el tercero de los talleres al lado de las bodegas que dan a la Avenida Rojas. Hablar con el rector.  Correo del rector para decirle de la visita: centrodonbosco@etb.net.co Visita: MIÉRCOLES 2 NOVIEMBRE 2:00 PM

2) Marleny Carazo: Colegio Heladía Mejía SEDE A; Jornada Mañana; Cll 65 # 15 – 64 (dirección vieja); Teléfono: 301 6572159. Colegio: 2 48 68 31. Visita: VIERNES 11 DE NOVIEMBRE 10 AM

3) Jhon Jairo Muñoz: Colegio Ciudad de Montreal; Jornada Mañana; Cr 17 B # 64 B – 45 Sur (Barrio Lucero Bajo); Transmilenio Portal Tunal, Alimentador San Joaquín, Tercera Parada, el colegio es a 3 cuadras. Teléfono: 310 3324382. MARTES 15 DE NOVIEMBRE 7:30 AM

4) Nidia Ladino: Instituto Técnico Industrial Francisco José de Caldas Sede B (4° y 5° y primaria); Jornada Mañana; Cll 64 F Bis # 68 G – 16. Vía del Jardín Botánico. Teléfono: 311 4403053 Colegio: 2 50 30 93.  MIÉRCOLES 16 DE NOVIEMBRE 8:00 AM

5) Luis Carlos León: Colegio Venecia; Jornada Tarde; Cr 55 # 49 – 25 sur. Boyacá hacía el sur, atraviesa la Autopista Sur, del cruce de la autopista y la Boyacá dos cuadras; por Transmilenio Estación Venecia, por el lado derecho, 3 cuadras al sur y dos a la derecha, como yendo hacía la Boyacá, hacía el sur de la Autopista Sur. Teléfono: 300 5616718. Hablar con el rector.  MIÉRCOLES 16 DE NOVIEMBRE 2:00 PM

6) Marilena Cortés: Colegio Fé y Alegría José María Velaz; Jornada Mañana; (Suba La Gaitana) Transmilenio Portal Suba, Alimentador Lisboa, 7° parada, lo deja frente al colegio. Miércoles y viernes de 7 a 1, el resto de 7 a 3. Teléfono: 313 8447351. Colegio: 6 62 39 99. Visita: MIÉRCOLES 23 NOVIEMBRE 12 – 3 PM

7) Harold Ortiz. Colegio General Gustavo Rojas Pinilla. Transmilenio hasta Banderas; Alimentador Castilla, sexta parada. MIÉRCOLES 23 DE NOVIEMBRE 4:00 pm

8) Esteban Nasif: Colegio Orlando Fals Borda; Jornada Mañana; Cr 1 A Este # 72 – 60 Sur (Barrio Barranquillita).  Transmilenio Portal Usme, Alimentador Caracas Tercera Parada, una cuadra al oriente. Teléfono: 315 7482776. Visita: VIERNES 25 NOVIEMBRE 8:30 AM

Fotos CEPA Müsica

Relatoria CEPA Música Cuarta Reunión

RELATORIA SESIÓN 4 22 de Octubre de 2011

Asistentes: LUIS CARLOS LEÓN

ESTEBAN NASIF

HAROLD ORTÍZ

MARLENY MÉNDEZ

NIDIA LADINO

MARCO GUERRERO

GIOVANNA MOGOLLÓN

Perfilar los escritos con preguntas más amplias

Establecer encuentros

PUNTOS DE REFLEXIÓN GENERADOS POR LOS ESCRITOS

-          Los niños se vuelven pedagogos de sus compañeros.

-          ¿Cómo se les da espacio para la creatividad a los niños en la clase?

-          ¿Están utilizando los espacios del colegio para hacerse notar?

-          La visibilización como herramienta para generar presencia y reconocimiento, que me vean y me reconozcan por encima de la multitud.

-          Colegios como cárceles y represores. Foucault.

-          ¿Cómo me veo como docente frente a mis compañeros?

-          El uniforme como distinción dentro de la masa y también como represor de la expresión propia. Uso de otras prendas para distinguirse.

-          Las prácticas artísticas escolares son subversivas, incluso generan un horario no oficial. Es muy extraño que los profesores de otras áreas pidan permiso a los demás maestros para enfatizar. (A ellos si les alcanza el tiempo).

-          El talento está reservado al área artística en oposición a la inteligencia. Se ve que solo en el arte se muestra talento pero no se relaciona con la inteligencia, y son complementarios.

Lectura del profesor Esteban:

Disimuladamente en su escrito quiere tocar la próxima administración donde quieren poner horario de 8 horas en los colegios, en la que en las 2 horas adicionales podrían trabajarse los ensambles. Un docente debe impactar en la educación artística de los colegios, y una manera es a través de la herramienta de montaje o ensambles para mostrar, y se pregunta si estos deben ser un proyecto de aula o una actividad extraclase. Ensaya en contrajornada, en horarios de clase gracias al apoyo de otros docentes, con estudiantes seleccionados a los que los profesores les dan permiso. Esta ha sido la mejor manera con la que ha podido trabajar y se está generando un proceso significativo pidiendo permiso a los compañeros docentes.

En su escrito recoge opiniones de los estudiantes a manera de entrevista, y en ellas los niños afirman que pertenecer al grupo les parece muy interesante tener la oportunidad de aprender nuevas cosas, de soltarse, de enseñar a los demás, los niños se convierten en pedagogos de sus compañeros, utilizan el tiempo libre, han aprendido que hay que esforzarse para lograr las cosas, han aprendido responsabilidad al faltar a clase por ensayar, y a la vez les parece incomodo salirse de clase porque se pierden de otras cosas pero al mismo tiempo aprenden responsabilidad de adelantarse, y les gustaría que en las clases existiera un espacio de ensayo.

Experiencia con el cuerpo para ampliar la expresión no solo musicalmente, en el colegio el cuerpo se disciplina y se uniforma y la educación artística puede y debe permitir que los estudiantes interactúen creativamente con su cuerpo y no solo educarlo. La creatividad ya es inherente a los jóvenes en su manera de vestir, en sus maneras de hablar, de sentir, “libertad de expresión”, de expresarse. Cita del libro “Secretos de Mutantes”. Trabajo en equipo.

Comentarios:

Harold interviene con respecto a los ensayos: Se habla de una contrajornada y es importante, se les quita tiempo libre pero sí ellos así lo quieren es importante. A veces los mismos compañeros docentes se molestan si se necesita a los niños para un ensayo y no hay el suficiente apoyo cuando los niños faltan a clase, no se encuentran mecanismos para ayudar a los niños, les interesa es que los niños vayan a clase así tengan permiso. Hay algunos compañeros que les gusta la música y apoyan pero muchos no, ahora deben pedir permiso desde la rectoría para que tenga más peso. También existe el problema de que los niños abusan de estos permisos o piden permisos mentirosos.

Proyectos de Aula: enfocar un ensayo como proyecto de aula, y más que ponerle el título de un espacio especial y único que se vuelva cotidiano, que por ejemplo, una vez por semana cualquier día un grupo se presente en descanso, que no sea programado, para utilizar los espacios. Incluir más gente y promover la cultura para asaltar la cotidianidad. Van a armar una comparsa como un ejercicio artístico y cultural que sirva para integrar el cuerpo.

Marleny: Con la reestructuración de ciclos en el colegio cada uno debe hacer un proyecto, y en el suyo quiere que ojalá los niños puedan lograr a través de la corporeidad, el sonido y la acústica no dejarse llevar por la timidez. Tiene un festival de talentos. Como docentes en los colegios a pesar de hacer tantas cosas se es invisible, por eso hay que visiblizarse mostrando lo que se hace, y es lo que les gusta a los niños; hay que escribir y resaltar lo que hacen los estudiantes, y para ellos es muy importante, se preparan, lo toman seriamente y se comprometen. Lastimosamente los niños algunas se intimida a los niños por no ir a clase y ellos por miedo no cumplen los compromisos, pues los compañeros le dicen a uno que si les dan permiso a los niños pero finalmente no lo aceptan del todo. 

Luis Carlos: Parte desde el comentario del profesor Esteban donde cuenta que uno de sus estudiantes todo el tiempo viste con una gorra y que este es el punto en el que él quiere verse, hacerse y sentirse diferente y único. El profesor Luis Carlos sabe que para los niños es importante  hacerse visible en un mundo escolar multitudinario donde todos somos parte de la masa, entonces tener un espacio propiciado por el arte donde nos ponemos delante de los demás donde digo que somos iguales pero que tenemos condiciones que nos permiten mostrar, hay una necesidad nuestra que se le transmite a los estudiantes y es la de la posibilidad de hacernos visibles dentro de una comunidad que nos quiere generalizar. GENERAR RECONOCIMIENTO los niños reafirman su personalidad y reclaman la visibilización; visibilización como herramienta para generar presencia y reconocimiento, que me vean y me reconozcan por encima de la multitud, pues el reconocimiento es esencia y dignidad misma del ser humano, poder ser yo a través del arte, acá estoy yo, reclamando derechos, exponiendo ideas.

Las prácticas artísticas escolares son subversivas, se generan en otros espacios por no tener tiempo, hay  que romper horarios, pedir permisos, no hay oficialización de lo que se hace, es una segunda versión de lo oficial, se acciona diferente para poder resultar en el trabajo. En los colegios se considera socialmente aceptado cuando se pone en escena y se ven buenos resultados pero no cuando se está construyendo.

Por qué no sucede que un profesor de otra área vaya y busque por ejemplo un estudiante de matemáticas para que mejoren en división, es un problema de consideración social pues dónde está la diferencia en el conocimiento. En el ICFES se pregunta mucho de matemáticas o ciencia y porqué los profesores no se preocupan por ahondar el conocimiento de sus áreas. ¿Por qué no existe la dinámica en la escuela de mostrar el trabajo de los talentosos en matemáticas, en sociales, en ciencias, con los mejores como se hace con arte? El talento está reservado al área artística en oposición a la inteligencia (los dos son complementarios). Como llegar a discursos más complementarios, más humanos en el área artística. Los inteligencias múltiples están presentes todo el tiempo, no se es solo inteligente musicalmente, porque si lo es así es inteligente en todo, el problema son las metodologías, los tiempos. Invitación, reto a la inteligencia, en arte se va solo al goce pero no se ve como si no fuera inteligencia.

Marleny: Es muy curioso que la mayoría de los colegios son reconocidos por la parte artística. Qué es un niño excepcional, talentoso, los compañeros no colaboran, critican que qué es ser bueno, talentoso. En mi colegio se da que los niños excelentes en el coro son excelentes en matemáticas y las otras áreas, son integrales.

Marco: Felicita a Esteban por el tratamiento que se le da al texto, asume su trabajo desde posibilidades que explora e incorpora el cuerpo, el arte, los pensamientos diversos. Nos encontraremos en el cuerpo con los demás CEPA. Le llama la atención el qué es estudiar, porqué estudiar un instrumento no se ve como estudiar otra área.

Cuerpo: Qué hacemos para significar la música visualmente, que indumentaria estamos usando para que las impresiones visuales impacten. Cómo rompo esquemas, cuál es la indumentaria de lo que yo hago. Con el cuerpo no solo se dice a través del cuerpo sino con lo que se dice con lo que se viste, con la postura. ¿Qué pensamos de cuerpo que dice a través de tatuajes o piercings?

Marleny: Dice que tiene a sus estudiantes condicionados a no salirse de la represión, a la pena, a no mostrarse, y ellos expresan que no se sienten cómodos moviéndose y exponiéndose, además porque es un aspecto que no se trabaja con mucha profundidad.

Luis Carlos: Existe una tensión en la representación de la institución, prevalece el cuerpo de los estudiantes o el cuerpo institucionalizado, lo importante es que el colegio quede bien o sean los niños. Oposición, conflicto, qué es lo importante la felicidad del niño o la uniformidad.

Harold: Citó un capítulo de los Simpsons en el que ellos pierden toda su identidad al uniformarse.

CRITERIOS DE LAS VISITAS

Ver el trabajo artístico

Nidia: entrevistar a estudiantes, entrevistar a profesores, ver la cotidianidad. Corroborar el perfil del docente. Debe ser una vista extensa para corroborar lo escrito. La visita del FAE fue muy puntual.

Esteban: Da una visión de estado no de resultado.

Que ámbitos visitar?

La vista es para ver que hay. Sin más, hacer una observación. Sin prevención. Revisión de necesidades. Ubicación objetiva de necesidades.

Objetivo general: Con miras a una investigación lo más importante es la observación y la descripción de lo observado.

Actividades: ver, conversar, leer, escuchar, estudiar, apoyar la gestión. No ver los grupos de resultado sino más bien la cotidianidad. Visibilizar otras actividades no sonoras.

Luis Carlos: ver la relación con la comunidad. Visitar los pares. ¿Cuál es el interlocutor, con quién genero discurso de mi área si estoy solo? ¿Y cómo definimos el perfil?

Relatoria CEPA Música Tercera Reunión

REUNIÓN 3 CEPA DE MÚSICA

8 DE OCTUBRE DE 2011

UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA

ELABORA: GIOVANNA MOGOLLÓN LEÓN

Asistentes: Esteban Nasif

Luis Carlos León

Santiago Piñerúa

Marleny Méndez

Harold Ortiz

Marco Guerrero

Giovanna Mogollón

Al estar en la mitad de las 6 sesiones hay que redondear cosas con miras a los objetivos que tenemos en el espacio:

1. El escrito. Va a haber una selección de éstos  con base en unos criterios como logros que se obtengan en redacción, en ideas puntuales, poniendo las opiniones y pensamientos desde lo que somos pero de manera legible; que cualquier persona de la ciudad o el país pueda acercarse a él desde una mirada global de lo que hacemos, del trabajo, del quehacer musical.
2. El segundo objetivo de los escritos es, junto con los compañeros de los otros CEPA, aportar a la construcción de las políticas públicas en el campo de la educación artística. Hay que tener como horizonte el salir un poco de lo musical y tener una mirada más global, pues el documento no va a poder estar centrado solamente en una de las áreas sino estarán intercomunicadas. De éste punto sale uno de los interrogantes que atraviesan el trabajo del CEPA de Música en la que nos preguntamos si hacer música es solo poner a los muchachos a sonar con algunos instrumentos, si nuestros objetivos musicales son solamente esos.
3. Visitas/Encuentros: Se definieron encuentros de retroalimentación para todos, algunos serán en el colegio y no son de ninguna manera una evaluación a nada, son una reflexión de todos hacía el trabajo que se está realizando; cada profesor es libre de invitar al Experto y Relator a ver fortalezas, flaquezas o ambas en los procesos de cada uno. Después vienen las mesas de reunión con los demás CEPA para organizar el documento general; por un lado, están las experiencias de cada uno y por otro, están las recomendaciones que se hacen a la política pública.

Se propone leer los escritos durante las próximas sesiones para que cada docente vaya avanzando en su texto y así poder construir y aportar entre todos para mejorarlo, pues uno de los objetivos de éste CEPA es promover y orientar la escritura.

ASPECTOS GENERALES DE DISCUSIÓN:

- Diálogos entre las músicas. Cómo se están viendo entre géneros.

- La no universalidad de la música, de sus significados, representaciones, contextos, lugares, interpretaciones, sentires y subjetividades.

- ¿Cómo ligar el disfrute y el conocimiento para generar verdaderas y trascendentes enseñanzas?

- Qué es el lenguaje, cuál es su propósito, y qué se está entendiendo por universal.

-¿Cuál es el perfil del maestro de arte cuando se le reconoce como tal?

- Mostrar procesos/productos como medio para el reconocimiento de la individualidad, de la labor del artista.

- Hacer música para nosotros mismos, desde adentro, subjetivamente, no siempre pensando hacía afuera, en complacer al espectador sino a si mismo también.

- Aparte del disfrute de hacer música o arte en el aula, cómo se manejan los momentos de dolor, tristeza o incomodidad ante un estudiante que no disfruta en absoluto la actividad o que siente que no tiene el suficiente talento o destreza para hacer las cosas.

Marleny Méndez. Está interesada en charlar con el Profesor Guillermo Aldana pues le llama mucho la atención que muchos de los estudiantes que tienen un excelente desempeño musical son muy buenos en matemáticas y física, y quiere ahondar sobre ese tema para su escrito; está leyendo acerca del trabajo de Rodolfo Llinas, y le recomiendan que busque a Howard Garnerd con su Proyecto Zero que trabaja sobre la Creatividad en la Música.

Se lee el texto de Santiago Piñerúa que plantea al inicio, citando a Bernard Lortat-Jacob, la duda acerca de la música como lenguaje no universal y algunas implicaciones que trae consigo está afirmación. A lo largo del texto va evidenciando y desarrollando posturas que van afirmando la no universalidad de la música: la lectura de los códigos propios de la música se constituye en el primer obstáculo para aquellos que no los conocen, y entonces se pregunta qué pasa entonces con quienes no tienen los conocimientos necesarios para apreciar expresiones musicales y cómo la enseñanza musical está tratando estos obstáculos.

Cree que cada práctica musical no tiene el mismo sentido ni significado para cada persona, pues depende de su entorno cultural y su realidad, por lo que se pregunta por la relación entre el arte y otras actividades significantes y la manera en que estás generan visiones únicas, por eso cree que “enseñar música debe pasar primero por la formación de lo sensible y del juicio” siendo ésta la labor del docente como orientador y constructor de conocimiento con sus estudiantes. En esa enseñanza deben establecerse relaciones con el entorno y guías para construcción de carácter y personalidades, por eso una de esas maneras de relacionarse es mostrar ante un público parte del trabajo que se realiza en la enseñanza musical, pues son éstos los espacios en los que se evidencian y comparten las construcciones conjuntas.

Después de exponer de entrada la premisa de la música como lenguaje no universal se generó un debate. La profesora Marleny le pregunta por qué cita que la música no es un idioma universal, pues ella cree que en los que manejan el idioma, los símbolos y los signos sí se considera como tal. Santiago cree que la música pensada como músicos sí lo es, pero cuando suena,  independientemente de los códigos, no cualquier persona la entiende.

El profesor Harold opina que si uno no se va tan allá de la música como lenguaje universal la música es música, sea cual sea la clase social a la que se pertenezca; cada uno desde su universo considera la música como tal, y la hace de diferentes maneras, con distintos o iguales instrumentos y cada uno le da su propia interpretación, por lo que la música si es universal. Cita que “la música es el único arte que se escucha en el cielo” y así la aborda con sus estudiantes, tratando de mostrarles lo bonito que tiene la música.

El profesor Esteban dice que si el arte musical es un lenguaje o no es responsabilidad del docente acercar a los estudiantes a que entiendan ese lenguaje, ayudarlos para que lo escuchen y lo disfruten, para que lo conozcan; en éste punto el profesor Santiago reafirma su tesis de la formación sensible del individuo, y de la subjetividad que rodea a cada práctica

Santiago se pregunta por qué en otras áreas como castellano se pide al estudiante que llegue a niveles altos de calidad como escribir ensayos pero no se le pide hablar de manera correcta, o en matemática se enseñan cosas de alta calidad que muchas veces no se aplican. Cree que en música se apunta muchas veces a hacer procesos de calidad que son demasiado enmarcados en la disciplina, se quiere formar a los estudiantes muy seria y académicamente para saber muchas veces hay conocimientos que van a usar o que van a olvidar, o también que a veces solo se apunta a que la clase se use cómo una lúdica, entonces cómo ligar el disfrute al conocimiento para enseñarles cosas con gran nivel que les sean útiles para que ellos tengan las herramientas necesarias para seguir estudiando música, que lo que se les enseña en el colegio les alcance para seguir, y que los que no desean continuar de todas maneras puedan disfrutar la práctica sin generar frustración.

Marco: La universalidad del lenguaje musical es algo discutible, pues primero hay que definir qué es el lenguaje y cuál es su objeto, su propósito, y a qué llamamos universal. Se piensa que el lenguaje es lo escrito, pero solo es una parte de él; el lenguaje en su mayoría de formas es oral, hay otros que no son articulados y su objeto no es comunicar, y ahí están las artes. Cree que comunicarse con el lenguaje articulado que es tan puntual  y preciso es difícil pues se generan intensiones y significaciones diversas, por eso los lenguajes que se utilizan para expresar son diferentes, no se usan para comunicarse solamente sino para expresarse. La escritura musical es una manera de formalizar alguna parte de ese lenguaje, hay otras que son intraducibles, pueden llamarse idiomas, no todos son iguales, tienen cosas que se entienden o se comparten pero no se comprenden totalmente.

También habla acerca del trato a la música como si ésta fuera una sola; cree que no existe la música sino las músicas, y que la cultura hace que tengamos diferentes lecturas musicales, la cultura del sonido es diferente, hay conceptos como el tiempo o el ritmo que son básicos pero no se sabe si sea universal, pues se supone que lo universal es lo que trasciende de su comunidad y se va a otras partes, y vemos que en cada comunidad se hacen versiones propias con los sonidos. Las músicas dependen de su contexto y sí se salen de ahí pierden muchos de sus significados y por eso pierden su connotación universal. Santiago hace pensar desde su escrito en el sentido de la música y en su oficio, quién reconoce la música, quién dice qué está bien o mal. La música tiene unos signos que no sabemos leer si no estamos dentro del entorno, por eso hay que tener el lenguaje. Los elementos de la música son universales, los elementos los son, los significados no. Dialogo del que tiene los elementos interiorizados con el que tuvo que estudiar para poder interiorizar.

La profesora Marleny se pregunta si entonces hay que hablar la música en dos lenguajes, desde el lenguaje clásico y desde el popular, ¿enseñar de maneras diferentes? ¿Vale la pena enseñar a escribir música a los jóvenes? Uno como profesor no tiene por qué sabérselas todas, uno se mata enseñándoles a escribir partitura.

Giovanna: Muchas veces la música se convierte en un lenguaje excluyente, y entonces queda la pregunta de si uno no se acerca formalmente a la música entonces no la puede disfrutar. El acercamiento a ese lenguaje y lo que yo leo de ella depende de diversas miradas, diversos referentes, construcciones y significaciones dependiendo de lo que cada uno es, de su contexto. El texto del profesor Santiago invita a reflexionar la manera en cómo, desde el papel del docente, se está guiando a los niños, cómo se les está enseñando la música, se les está permitiendo que descubran cosas o se les están enseñando esos prejuicios de entorno y significado que tenemos como músicos.

El profesor Santiago cree que lo que debe lograrse es cambiar el pensamiento y la manera de escuchar para afectar al individuo y sus maneras de percibir independientemente de lo que sea. El lenguaje que se maneja es demasiado elaborado para entenderlo, requiere un entrenamiento previo para poder hacerlo entonces ¿a qué se apunta cuando se está formando a los estudiantes, a qué lo entiendan o a qué lo vivan?

Marco le pregunta al profesor Luis Carlos acerca del Pensamiento Musical. Se habla del área artística, eso existe en los lineamientos de la Secretaría pero en muchos de los colegios eso no existe, por cuestiones logísticas unen al de artes con otras cosas, ¿entonces cuál es nuestro perfil cuando tenemos presencia en el área artística, cuándo se nos reconoce como tal? ¿Cómo me entiendo yo desde mi individualidad y mi oficio cuando pertenezco al tiempo libre y no al área artística? ¿Qué tengo que generar como profesor de tiempo libre?

Por otro lado, el profesor Luis Carlos cree que la filosofía se ha gastado mucho hablando del ser, luego del espíritu y ahora del lenguaje, y que todo se volvió lenguaje, entonces se pregunta por qué tiene que ser la música un lenguaje y sí se volvió lenguaje para validarlo dentro de un sistema.

El oficio de mostrar se parece, históricamente, al de los servidores de la nobleza, los que debían mostrar para los patrones, y hoy se muestra en el concierto o en el colegio, así es, pero no siempre ha sido así. Hay comunidades donde la música tradicional tiene la misión de construir unos valores, de mostrar períodos históricos y sociales, no se paran a mostrar al frente de alguien si no que está dentro de, entonces como lograr en el espacio pedagógico que no siempre hay que hacer música para otros, se puede hacer música porque nos conocemos, porque nos gusta cantar, porque desarrollamos pensamiento; tenemos que demostrarnos al interior nuestro, que la música sea un ejercicio para dentro y no para afuera, si es así el aprendizaje del niño termina siendo lo menos importante.

Cuando se intenta que sea para adentro, por la razón que sea, maneja una lógica diferente. No puede ser que la esencia de una cosa esté dada por un ser externo, las cosas valen por el uso que les doy; la música es un lenguaje independientemente de que yo la entienda o no, el problema de la música es que los referentes  no son los mismos para todo el mundo, no sé qué le genera a cada uno escuchar un tema, las imágenes que se dan. El que yo no entienda no significa que pierda sentido.

El profesor Santiago cree que hay que dar igualdad en las oportunidades para pertenecer a un grupo o a una actividad musical, pues muchas veces los mismos docentes se encargan de seguir excluyendo al que no tiene mucho talento frente al que lo demuestra; cree que hay que pensar más allá en dar la oportunidad de explorar, que sea un goce, que sea para cada uno lo haga bien o mal (entrando en sintonía con el profesor Luis Carlos), que cuando esos niños crezcan sientan que lo hicieron, que lo intentaron, que lo lograron, y no que queden sensaciones de frustración, que no se queden los sueños y los proyectos de vida a un lado: “ de pronto estamos marchitando flores en el proceso”;  que cualquiera tenga la suficiente formación para que cualquiera pueda ser músico, incluso el que no tiene mucho talento que a punta de esfuerzo y estudio lo logra.

El profesor Esteban cree que el punto que trata el profesor Luis Carlos de los referentes externos que validan es un punto clave, pues no sabe dónde queda la subjetividad de los lenguajes, la música tiene mucha subjetividad y a cada persona le transmite y le representa cosas diferentes. En el lenguaje escrito o hablado no hay cosas que transmiten mensajes también, como los gestos, el lenguaje corporal, será que solo las palabras o las notas son las que expresan, dónde queda lo que siente el cuerpo, se puede decir que la música es un muy lenguaje subjetivo, que transmite cosas que no son inteligibles y que no pueden ser traducidas solamente en notas.

Marco pregunta al profesor Harold sobre la validación de las músicas, sobre cómo es el trabajo en una banda marcial, pues se ve como una actividad más de Educación Física que de música. Él cree que por encima de marchar es trabajar en conjunto y desarrollar en los muchachos la creatividad y responsabilidad hacía el trabajo, hacía el estudio, la convivencia, generar el cambio a partir de la banda, generar ganas de trabajar; se le da variedad a la práctica, tocan merengue, salsa, les muestra diferentes ritmos, amplia el espectro.

Se muestra no solo en la tarima sino en reconocimiento, en cambios de actitud.

Marco comenta que Harold pone en escena un elemento debatible en el que se quiere que los niños y el trabajo que se hace con ellos gire en torno al disfrute, pero qué pasa en el momento en el qué no lo disfruta, en el que se siente mal por no poder hacer las cosas, en el que llora por no lograrlo, cuando se genera angustia. ¿Cómo el trabajo se relaciona con estos momentos y cómo en la clase se maneja lo que no es placentero en el aula?

El precio de las cosas, el disfrute y el dolor.

Harold: Hace algo más que sonar, espacio de relajación a través de los chistes. No se puede generalizar, con algunos estudiantes o grupos no se pueden hacer algunas actividades. Con el curso 703 no se ha podido hacer mucho. Se debe perseverar.

Esteban: No hace discriminación, trabaja con todos.

Santiago: hay que enseñar a los estudiantes cuando las cosas no se dan, es parte de la preparación. Qué hacer con los que quieren y no son buenos y con los que no quieren.

Marleny: Cree que perseverancia es lo que hay que tener.

Luis Carlos: ¿Por qué a todos nos debe gustar el arte? Porque le voy a dar un niño a una sociedad para que lo eduque si yo no confío en esa sociedad. ¿Lo que se hace en la escuela tiene que ser obligatorio? ¿Por qué debemos mostrar cosas a nivel profesional? En la escuela hay procesos de formación. Qué momento es de preparación, de muestra, de proyección.

Acerca del Cuerpo.

Luis Carlos: En un Congreso en Buga le mostraron el coro de Buenaventura a la maestra Dina Guerra (cubana), la maestra pregunto si siempre cantaban así de feo, y el problema estaba en el movimiento. El movimiento. La experiencia de integración corporal viene sobre todo de los niños. La integración entre música y movimiento es bailar. A través de lo instrumental es la manera más orgánica, en las bandas pelayeras se ve un buen ejemplo de esto.

Santiago: cuando se exagera es el cuerpo en movimiento el que se lleva el centro de atención y la atención hacia la música se pierde un poco. De veras en algunos casos hay condiciones técnicas y biológicas que limitan, también lo conveniente. Es difícil pensar el cuerpo en la música porque estamos acostumbrados a no pensarlo.

Acuerdos: descansar y trabajar en la semana de receso, terminar las lecturas de los escritos en la próxima sesión, preparar el cronograma de visitas.