Relatoria CEPA Música Tercera Reunión

REUNIÓN 3 CEPA DE MÚSICA

8 DE OCTUBRE DE 2011

UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA

ELABORA: GIOVANNA MOGOLLÓN LEÓN

Asistentes: Esteban Nasif

Luis Carlos León

Santiago Piñerúa

Marleny Méndez

Harold Ortiz

Marco Guerrero

Giovanna Mogollón

Al estar en la mitad de las 6 sesiones hay que redondear cosas con miras a los objetivos que tenemos en el espacio:

1. El escrito. Va a haber una selección de éstos  con base en unos criterios como logros que se obtengan en redacción, en ideas puntuales, poniendo las opiniones y pensamientos desde lo que somos pero de manera legible; que cualquier persona de la ciudad o el país pueda acercarse a él desde una mirada global de lo que hacemos, del trabajo, del quehacer musical.
2. El segundo objetivo de los escritos es, junto con los compañeros de los otros CEPA, aportar a la construcción de las políticas públicas en el campo de la educación artística. Hay que tener como horizonte el salir un poco de lo musical y tener una mirada más global, pues el documento no va a poder estar centrado solamente en una de las áreas sino estarán intercomunicadas. De éste punto sale uno de los interrogantes que atraviesan el trabajo del CEPA de Música en la que nos preguntamos si hacer música es solo poner a los muchachos a sonar con algunos instrumentos, si nuestros objetivos musicales son solamente esos.
3. Visitas/Encuentros: Se definieron encuentros de retroalimentación para todos, algunos serán en el colegio y no son de ninguna manera una evaluación a nada, son una reflexión de todos hacía el trabajo que se está realizando; cada profesor es libre de invitar al Experto y Relator a ver fortalezas, flaquezas o ambas en los procesos de cada uno. Después vienen las mesas de reunión con los demás CEPA para organizar el documento general; por un lado, están las experiencias de cada uno y por otro, están las recomendaciones que se hacen a la política pública.

Se propone leer los escritos durante las próximas sesiones para que cada docente vaya avanzando en su texto y así poder construir y aportar entre todos para mejorarlo, pues uno de los objetivos de éste CEPA es promover y orientar la escritura.

ASPECTOS GENERALES DE DISCUSIÓN:

- Diálogos entre las músicas. Cómo se están viendo entre géneros.

- La no universalidad de la música, de sus significados, representaciones, contextos, lugares, interpretaciones, sentires y subjetividades.

- ¿Cómo ligar el disfrute y el conocimiento para generar verdaderas y trascendentes enseñanzas?

- Qué es el lenguaje, cuál es su propósito, y qué se está entendiendo por universal.

-¿Cuál es el perfil del maestro de arte cuando se le reconoce como tal?

- Mostrar procesos/productos como medio para el reconocimiento de la individualidad, de la labor del artista.

- Hacer música para nosotros mismos, desde adentro, subjetivamente, no siempre pensando hacía afuera, en complacer al espectador sino a si mismo también.

- Aparte del disfrute de hacer música o arte en el aula, cómo se manejan los momentos de dolor, tristeza o incomodidad ante un estudiante que no disfruta en absoluto la actividad o que siente que no tiene el suficiente talento o destreza para hacer las cosas.

Marleny Méndez. Está interesada en charlar con el Profesor Guillermo Aldana pues le llama mucho la atención que muchos de los estudiantes que tienen un excelente desempeño musical son muy buenos en matemáticas y física, y quiere ahondar sobre ese tema para su escrito; está leyendo acerca del trabajo de Rodolfo Llinas, y le recomiendan que busque a Howard Garnerd con su Proyecto Zero que trabaja sobre la Creatividad en la Música.

Se lee el texto de Santiago Piñerúa que plantea al inicio, citando a Bernard Lortat-Jacob, la duda acerca de la música como lenguaje no universal y algunas implicaciones que trae consigo está afirmación. A lo largo del texto va evidenciando y desarrollando posturas que van afirmando la no universalidad de la música: la lectura de los códigos propios de la música se constituye en el primer obstáculo para aquellos que no los conocen, y entonces se pregunta qué pasa entonces con quienes no tienen los conocimientos necesarios para apreciar expresiones musicales y cómo la enseñanza musical está tratando estos obstáculos.

Cree que cada práctica musical no tiene el mismo sentido ni significado para cada persona, pues depende de su entorno cultural y su realidad, por lo que se pregunta por la relación entre el arte y otras actividades significantes y la manera en que estás generan visiones únicas, por eso cree que “enseñar música debe pasar primero por la formación de lo sensible y del juicio” siendo ésta la labor del docente como orientador y constructor de conocimiento con sus estudiantes. En esa enseñanza deben establecerse relaciones con el entorno y guías para construcción de carácter y personalidades, por eso una de esas maneras de relacionarse es mostrar ante un público parte del trabajo que se realiza en la enseñanza musical, pues son éstos los espacios en los que se evidencian y comparten las construcciones conjuntas.

Después de exponer de entrada la premisa de la música como lenguaje no universal se generó un debate. La profesora Marleny le pregunta por qué cita que la música no es un idioma universal, pues ella cree que en los que manejan el idioma, los símbolos y los signos sí se considera como tal. Santiago cree que la música pensada como músicos sí lo es, pero cuando suena,  independientemente de los códigos, no cualquier persona la entiende.

El profesor Harold opina que si uno no se va tan allá de la música como lenguaje universal la música es música, sea cual sea la clase social a la que se pertenezca; cada uno desde su universo considera la música como tal, y la hace de diferentes maneras, con distintos o iguales instrumentos y cada uno le da su propia interpretación, por lo que la música si es universal. Cita que “la música es el único arte que se escucha en el cielo” y así la aborda con sus estudiantes, tratando de mostrarles lo bonito que tiene la música.

El profesor Esteban dice que si el arte musical es un lenguaje o no es responsabilidad del docente acercar a los estudiantes a que entiendan ese lenguaje, ayudarlos para que lo escuchen y lo disfruten, para que lo conozcan; en éste punto el profesor Santiago reafirma su tesis de la formación sensible del individuo, y de la subjetividad que rodea a cada práctica

Santiago se pregunta por qué en otras áreas como castellano se pide al estudiante que llegue a niveles altos de calidad como escribir ensayos pero no se le pide hablar de manera correcta, o en matemática se enseñan cosas de alta calidad que muchas veces no se aplican. Cree que en música se apunta muchas veces a hacer procesos de calidad que son demasiado enmarcados en la disciplina, se quiere formar a los estudiantes muy seria y académicamente para saber muchas veces hay conocimientos que van a usar o que van a olvidar, o también que a veces solo se apunta a que la clase se use cómo una lúdica, entonces cómo ligar el disfrute al conocimiento para enseñarles cosas con gran nivel que les sean útiles para que ellos tengan las herramientas necesarias para seguir estudiando música, que lo que se les enseña en el colegio les alcance para seguir, y que los que no desean continuar de todas maneras puedan disfrutar la práctica sin generar frustración.

Marco: La universalidad del lenguaje musical es algo discutible, pues primero hay que definir qué es el lenguaje y cuál es su objeto, su propósito, y a qué llamamos universal. Se piensa que el lenguaje es lo escrito, pero solo es una parte de él; el lenguaje en su mayoría de formas es oral, hay otros que no son articulados y su objeto no es comunicar, y ahí están las artes. Cree que comunicarse con el lenguaje articulado que es tan puntual  y preciso es difícil pues se generan intensiones y significaciones diversas, por eso los lenguajes que se utilizan para expresar son diferentes, no se usan para comunicarse solamente sino para expresarse. La escritura musical es una manera de formalizar alguna parte de ese lenguaje, hay otras que son intraducibles, pueden llamarse idiomas, no todos son iguales, tienen cosas que se entienden o se comparten pero no se comprenden totalmente.

También habla acerca del trato a la música como si ésta fuera una sola; cree que no existe la música sino las músicas, y que la cultura hace que tengamos diferentes lecturas musicales, la cultura del sonido es diferente, hay conceptos como el tiempo o el ritmo que son básicos pero no se sabe si sea universal, pues se supone que lo universal es lo que trasciende de su comunidad y se va a otras partes, y vemos que en cada comunidad se hacen versiones propias con los sonidos. Las músicas dependen de su contexto y sí se salen de ahí pierden muchos de sus significados y por eso pierden su connotación universal. Santiago hace pensar desde su escrito en el sentido de la música y en su oficio, quién reconoce la música, quién dice qué está bien o mal. La música tiene unos signos que no sabemos leer si no estamos dentro del entorno, por eso hay que tener el lenguaje. Los elementos de la música son universales, los elementos los son, los significados no. Dialogo del que tiene los elementos interiorizados con el que tuvo que estudiar para poder interiorizar.

La profesora Marleny se pregunta si entonces hay que hablar la música en dos lenguajes, desde el lenguaje clásico y desde el popular, ¿enseñar de maneras diferentes? ¿Vale la pena enseñar a escribir música a los jóvenes? Uno como profesor no tiene por qué sabérselas todas, uno se mata enseñándoles a escribir partitura.

Giovanna: Muchas veces la música se convierte en un lenguaje excluyente, y entonces queda la pregunta de si uno no se acerca formalmente a la música entonces no la puede disfrutar. El acercamiento a ese lenguaje y lo que yo leo de ella depende de diversas miradas, diversos referentes, construcciones y significaciones dependiendo de lo que cada uno es, de su contexto. El texto del profesor Santiago invita a reflexionar la manera en cómo, desde el papel del docente, se está guiando a los niños, cómo se les está enseñando la música, se les está permitiendo que descubran cosas o se les están enseñando esos prejuicios de entorno y significado que tenemos como músicos.

El profesor Santiago cree que lo que debe lograrse es cambiar el pensamiento y la manera de escuchar para afectar al individuo y sus maneras de percibir independientemente de lo que sea. El lenguaje que se maneja es demasiado elaborado para entenderlo, requiere un entrenamiento previo para poder hacerlo entonces ¿a qué se apunta cuando se está formando a los estudiantes, a qué lo entiendan o a qué lo vivan?

Marco le pregunta al profesor Luis Carlos acerca del Pensamiento Musical. Se habla del área artística, eso existe en los lineamientos de la Secretaría pero en muchos de los colegios eso no existe, por cuestiones logísticas unen al de artes con otras cosas, ¿entonces cuál es nuestro perfil cuando tenemos presencia en el área artística, cuándo se nos reconoce como tal? ¿Cómo me entiendo yo desde mi individualidad y mi oficio cuando pertenezco al tiempo libre y no al área artística? ¿Qué tengo que generar como profesor de tiempo libre?

Por otro lado, el profesor Luis Carlos cree que la filosofía se ha gastado mucho hablando del ser, luego del espíritu y ahora del lenguaje, y que todo se volvió lenguaje, entonces se pregunta por qué tiene que ser la música un lenguaje y sí se volvió lenguaje para validarlo dentro de un sistema.

El oficio de mostrar se parece, históricamente, al de los servidores de la nobleza, los que debían mostrar para los patrones, y hoy se muestra en el concierto o en el colegio, así es, pero no siempre ha sido así. Hay comunidades donde la música tradicional tiene la misión de construir unos valores, de mostrar períodos históricos y sociales, no se paran a mostrar al frente de alguien si no que está dentro de, entonces como lograr en el espacio pedagógico que no siempre hay que hacer música para otros, se puede hacer música porque nos conocemos, porque nos gusta cantar, porque desarrollamos pensamiento; tenemos que demostrarnos al interior nuestro, que la música sea un ejercicio para dentro y no para afuera, si es así el aprendizaje del niño termina siendo lo menos importante.

Cuando se intenta que sea para adentro, por la razón que sea, maneja una lógica diferente. No puede ser que la esencia de una cosa esté dada por un ser externo, las cosas valen por el uso que les doy; la música es un lenguaje independientemente de que yo la entienda o no, el problema de la música es que los referentes  no son los mismos para todo el mundo, no sé qué le genera a cada uno escuchar un tema, las imágenes que se dan. El que yo no entienda no significa que pierda sentido.

El profesor Santiago cree que hay que dar igualdad en las oportunidades para pertenecer a un grupo o a una actividad musical, pues muchas veces los mismos docentes se encargan de seguir excluyendo al que no tiene mucho talento frente al que lo demuestra; cree que hay que pensar más allá en dar la oportunidad de explorar, que sea un goce, que sea para cada uno lo haga bien o mal (entrando en sintonía con el profesor Luis Carlos), que cuando esos niños crezcan sientan que lo hicieron, que lo intentaron, que lo lograron, y no que queden sensaciones de frustración, que no se queden los sueños y los proyectos de vida a un lado: “ de pronto estamos marchitando flores en el proceso”;  que cualquiera tenga la suficiente formación para que cualquiera pueda ser músico, incluso el que no tiene mucho talento que a punta de esfuerzo y estudio lo logra.

El profesor Esteban cree que el punto que trata el profesor Luis Carlos de los referentes externos que validan es un punto clave, pues no sabe dónde queda la subjetividad de los lenguajes, la música tiene mucha subjetividad y a cada persona le transmite y le representa cosas diferentes. En el lenguaje escrito o hablado no hay cosas que transmiten mensajes también, como los gestos, el lenguaje corporal, será que solo las palabras o las notas son las que expresan, dónde queda lo que siente el cuerpo, se puede decir que la música es un muy lenguaje subjetivo, que transmite cosas que no son inteligibles y que no pueden ser traducidas solamente en notas.

Marco pregunta al profesor Harold sobre la validación de las músicas, sobre cómo es el trabajo en una banda marcial, pues se ve como una actividad más de Educación Física que de música. Él cree que por encima de marchar es trabajar en conjunto y desarrollar en los muchachos la creatividad y responsabilidad hacía el trabajo, hacía el estudio, la convivencia, generar el cambio a partir de la banda, generar ganas de trabajar; se le da variedad a la práctica, tocan merengue, salsa, les muestra diferentes ritmos, amplia el espectro.

Se muestra no solo en la tarima sino en reconocimiento, en cambios de actitud.

Marco comenta que Harold pone en escena un elemento debatible en el que se quiere que los niños y el trabajo que se hace con ellos gire en torno al disfrute, pero qué pasa en el momento en el qué no lo disfruta, en el que se siente mal por no poder hacer las cosas, en el que llora por no lograrlo, cuando se genera angustia. ¿Cómo el trabajo se relaciona con estos momentos y cómo en la clase se maneja lo que no es placentero en el aula?

El precio de las cosas, el disfrute y el dolor.

Harold: Hace algo más que sonar, espacio de relajación a través de los chistes. No se puede generalizar, con algunos estudiantes o grupos no se pueden hacer algunas actividades. Con el curso 703 no se ha podido hacer mucho. Se debe perseverar.

Esteban: No hace discriminación, trabaja con todos.

Santiago: hay que enseñar a los estudiantes cuando las cosas no se dan, es parte de la preparación. Qué hacer con los que quieren y no son buenos y con los que no quieren.

Marleny: Cree que perseverancia es lo que hay que tener.

Luis Carlos: ¿Por qué a todos nos debe gustar el arte? Porque le voy a dar un niño a una sociedad para que lo eduque si yo no confío en esa sociedad. ¿Lo que se hace en la escuela tiene que ser obligatorio? ¿Por qué debemos mostrar cosas a nivel profesional? En la escuela hay procesos de formación. Qué momento es de preparación, de muestra, de proyección.

Acerca del Cuerpo.

Luis Carlos: En un Congreso en Buga le mostraron el coro de Buenaventura a la maestra Dina Guerra (cubana), la maestra pregunto si siempre cantaban así de feo, y el problema estaba en el movimiento. El movimiento. La experiencia de integración corporal viene sobre todo de los niños. La integración entre música y movimiento es bailar. A través de lo instrumental es la manera más orgánica, en las bandas pelayeras se ve un buen ejemplo de esto.

Santiago: cuando se exagera es el cuerpo en movimiento el que se lleva el centro de atención y la atención hacia la música se pierde un poco. De veras en algunos casos hay condiciones técnicas y biológicas que limitan, también lo conveniente. Es difícil pensar el cuerpo en la música porque estamos acostumbrados a no pensarlo.

Acuerdos: descansar y trabajar en la semana de receso, terminar las lecturas de los escritos en la próxima sesión, preparar el cronograma de visitas.