Fotos CEPA Müsica

Relatoria CEPA Música Cuarta Reunión

RELATORIA SESIÓN 4 22 de Octubre de 2011

Asistentes: LUIS CARLOS LEÓN

ESTEBAN NASIF

HAROLD ORTÍZ

MARLENY MÉNDEZ

NIDIA LADINO

MARCO GUERRERO

GIOVANNA MOGOLLÓN

Perfilar los escritos con preguntas más amplias

Establecer encuentros

PUNTOS DE REFLEXIÓN GENERADOS POR LOS ESCRITOS

-          Los niños se vuelven pedagogos de sus compañeros.

-          ¿Cómo se les da espacio para la creatividad a los niños en la clase?

-          ¿Están utilizando los espacios del colegio para hacerse notar?

-          La visibilización como herramienta para generar presencia y reconocimiento, que me vean y me reconozcan por encima de la multitud.

-          Colegios como cárceles y represores. Foucault.

-          ¿Cómo me veo como docente frente a mis compañeros?

-          El uniforme como distinción dentro de la masa y también como represor de la expresión propia. Uso de otras prendas para distinguirse.

-          Las prácticas artísticas escolares son subversivas, incluso generan un horario no oficial. Es muy extraño que los profesores de otras áreas pidan permiso a los demás maestros para enfatizar. (A ellos si les alcanza el tiempo).

-          El talento está reservado al área artística en oposición a la inteligencia. Se ve que solo en el arte se muestra talento pero no se relaciona con la inteligencia, y son complementarios.

Lectura del profesor Esteban:

Disimuladamente en su escrito quiere tocar la próxima administración donde quieren poner horario de 8 horas en los colegios, en la que en las 2 horas adicionales podrían trabajarse los ensambles. Un docente debe impactar en la educación artística de los colegios, y una manera es a través de la herramienta de montaje o ensambles para mostrar, y se pregunta si estos deben ser un proyecto de aula o una actividad extraclase. Ensaya en contrajornada, en horarios de clase gracias al apoyo de otros docentes, con estudiantes seleccionados a los que los profesores les dan permiso. Esta ha sido la mejor manera con la que ha podido trabajar y se está generando un proceso significativo pidiendo permiso a los compañeros docentes.

En su escrito recoge opiniones de los estudiantes a manera de entrevista, y en ellas los niños afirman que pertenecer al grupo les parece muy interesante tener la oportunidad de aprender nuevas cosas, de soltarse, de enseñar a los demás, los niños se convierten en pedagogos de sus compañeros, utilizan el tiempo libre, han aprendido que hay que esforzarse para lograr las cosas, han aprendido responsabilidad al faltar a clase por ensayar, y a la vez les parece incomodo salirse de clase porque se pierden de otras cosas pero al mismo tiempo aprenden responsabilidad de adelantarse, y les gustaría que en las clases existiera un espacio de ensayo.

Experiencia con el cuerpo para ampliar la expresión no solo musicalmente, en el colegio el cuerpo se disciplina y se uniforma y la educación artística puede y debe permitir que los estudiantes interactúen creativamente con su cuerpo y no solo educarlo. La creatividad ya es inherente a los jóvenes en su manera de vestir, en sus maneras de hablar, de sentir, “libertad de expresión”, de expresarse. Cita del libro “Secretos de Mutantes”. Trabajo en equipo.

Comentarios:

Harold interviene con respecto a los ensayos: Se habla de una contrajornada y es importante, se les quita tiempo libre pero sí ellos así lo quieren es importante. A veces los mismos compañeros docentes se molestan si se necesita a los niños para un ensayo y no hay el suficiente apoyo cuando los niños faltan a clase, no se encuentran mecanismos para ayudar a los niños, les interesa es que los niños vayan a clase así tengan permiso. Hay algunos compañeros que les gusta la música y apoyan pero muchos no, ahora deben pedir permiso desde la rectoría para que tenga más peso. También existe el problema de que los niños abusan de estos permisos o piden permisos mentirosos.

Proyectos de Aula: enfocar un ensayo como proyecto de aula, y más que ponerle el título de un espacio especial y único que se vuelva cotidiano, que por ejemplo, una vez por semana cualquier día un grupo se presente en descanso, que no sea programado, para utilizar los espacios. Incluir más gente y promover la cultura para asaltar la cotidianidad. Van a armar una comparsa como un ejercicio artístico y cultural que sirva para integrar el cuerpo.

Marleny: Con la reestructuración de ciclos en el colegio cada uno debe hacer un proyecto, y en el suyo quiere que ojalá los niños puedan lograr a través de la corporeidad, el sonido y la acústica no dejarse llevar por la timidez. Tiene un festival de talentos. Como docentes en los colegios a pesar de hacer tantas cosas se es invisible, por eso hay que visiblizarse mostrando lo que se hace, y es lo que les gusta a los niños; hay que escribir y resaltar lo que hacen los estudiantes, y para ellos es muy importante, se preparan, lo toman seriamente y se comprometen. Lastimosamente los niños algunas se intimida a los niños por no ir a clase y ellos por miedo no cumplen los compromisos, pues los compañeros le dicen a uno que si les dan permiso a los niños pero finalmente no lo aceptan del todo. 

Luis Carlos: Parte desde el comentario del profesor Esteban donde cuenta que uno de sus estudiantes todo el tiempo viste con una gorra y que este es el punto en el que él quiere verse, hacerse y sentirse diferente y único. El profesor Luis Carlos sabe que para los niños es importante  hacerse visible en un mundo escolar multitudinario donde todos somos parte de la masa, entonces tener un espacio propiciado por el arte donde nos ponemos delante de los demás donde digo que somos iguales pero que tenemos condiciones que nos permiten mostrar, hay una necesidad nuestra que se le transmite a los estudiantes y es la de la posibilidad de hacernos visibles dentro de una comunidad que nos quiere generalizar. GENERAR RECONOCIMIENTO los niños reafirman su personalidad y reclaman la visibilización; visibilización como herramienta para generar presencia y reconocimiento, que me vean y me reconozcan por encima de la multitud, pues el reconocimiento es esencia y dignidad misma del ser humano, poder ser yo a través del arte, acá estoy yo, reclamando derechos, exponiendo ideas.

Las prácticas artísticas escolares son subversivas, se generan en otros espacios por no tener tiempo, hay  que romper horarios, pedir permisos, no hay oficialización de lo que se hace, es una segunda versión de lo oficial, se acciona diferente para poder resultar en el trabajo. En los colegios se considera socialmente aceptado cuando se pone en escena y se ven buenos resultados pero no cuando se está construyendo.

Por qué no sucede que un profesor de otra área vaya y busque por ejemplo un estudiante de matemáticas para que mejoren en división, es un problema de consideración social pues dónde está la diferencia en el conocimiento. En el ICFES se pregunta mucho de matemáticas o ciencia y porqué los profesores no se preocupan por ahondar el conocimiento de sus áreas. ¿Por qué no existe la dinámica en la escuela de mostrar el trabajo de los talentosos en matemáticas, en sociales, en ciencias, con los mejores como se hace con arte? El talento está reservado al área artística en oposición a la inteligencia (los dos son complementarios). Como llegar a discursos más complementarios, más humanos en el área artística. Los inteligencias múltiples están presentes todo el tiempo, no se es solo inteligente musicalmente, porque si lo es así es inteligente en todo, el problema son las metodologías, los tiempos. Invitación, reto a la inteligencia, en arte se va solo al goce pero no se ve como si no fuera inteligencia.

Marleny: Es muy curioso que la mayoría de los colegios son reconocidos por la parte artística. Qué es un niño excepcional, talentoso, los compañeros no colaboran, critican que qué es ser bueno, talentoso. En mi colegio se da que los niños excelentes en el coro son excelentes en matemáticas y las otras áreas, son integrales.

Marco: Felicita a Esteban por el tratamiento que se le da al texto, asume su trabajo desde posibilidades que explora e incorpora el cuerpo, el arte, los pensamientos diversos. Nos encontraremos en el cuerpo con los demás CEPA. Le llama la atención el qué es estudiar, porqué estudiar un instrumento no se ve como estudiar otra área.

Cuerpo: Qué hacemos para significar la música visualmente, que indumentaria estamos usando para que las impresiones visuales impacten. Cómo rompo esquemas, cuál es la indumentaria de lo que yo hago. Con el cuerpo no solo se dice a través del cuerpo sino con lo que se dice con lo que se viste, con la postura. ¿Qué pensamos de cuerpo que dice a través de tatuajes o piercings?

Marleny: Dice que tiene a sus estudiantes condicionados a no salirse de la represión, a la pena, a no mostrarse, y ellos expresan que no se sienten cómodos moviéndose y exponiéndose, además porque es un aspecto que no se trabaja con mucha profundidad.

Luis Carlos: Existe una tensión en la representación de la institución, prevalece el cuerpo de los estudiantes o el cuerpo institucionalizado, lo importante es que el colegio quede bien o sean los niños. Oposición, conflicto, qué es lo importante la felicidad del niño o la uniformidad.

Harold: Citó un capítulo de los Simpsons en el que ellos pierden toda su identidad al uniformarse.

CRITERIOS DE LAS VISITAS

Ver el trabajo artístico

Nidia: entrevistar a estudiantes, entrevistar a profesores, ver la cotidianidad. Corroborar el perfil del docente. Debe ser una vista extensa para corroborar lo escrito. La visita del FAE fue muy puntual.

Esteban: Da una visión de estado no de resultado.

Que ámbitos visitar?

La vista es para ver que hay. Sin más, hacer una observación. Sin prevención. Revisión de necesidades. Ubicación objetiva de necesidades.

Objetivo general: Con miras a una investigación lo más importante es la observación y la descripción de lo observado.

Actividades: ver, conversar, leer, escuchar, estudiar, apoyar la gestión. No ver los grupos de resultado sino más bien la cotidianidad. Visibilizar otras actividades no sonoras.

Luis Carlos: ver la relación con la comunidad. Visitar los pares. ¿Cuál es el interlocutor, con quién genero discurso de mi área si estoy solo? ¿Y cómo definimos el perfil?

Relatoria CEPA Música Tercera Reunión

REUNIÓN 3 CEPA DE MÚSICA

8 DE OCTUBRE DE 2011

UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA

ELABORA: GIOVANNA MOGOLLÓN LEÓN

Asistentes: Esteban Nasif

Luis Carlos León

Santiago Piñerúa

Marleny Méndez

Harold Ortiz

Marco Guerrero

Giovanna Mogollón

Al estar en la mitad de las 6 sesiones hay que redondear cosas con miras a los objetivos que tenemos en el espacio:

1. El escrito. Va a haber una selección de éstos  con base en unos criterios como logros que se obtengan en redacción, en ideas puntuales, poniendo las opiniones y pensamientos desde lo que somos pero de manera legible; que cualquier persona de la ciudad o el país pueda acercarse a él desde una mirada global de lo que hacemos, del trabajo, del quehacer musical.
2. El segundo objetivo de los escritos es, junto con los compañeros de los otros CEPA, aportar a la construcción de las políticas públicas en el campo de la educación artística. Hay que tener como horizonte el salir un poco de lo musical y tener una mirada más global, pues el documento no va a poder estar centrado solamente en una de las áreas sino estarán intercomunicadas. De éste punto sale uno de los interrogantes que atraviesan el trabajo del CEPA de Música en la que nos preguntamos si hacer música es solo poner a los muchachos a sonar con algunos instrumentos, si nuestros objetivos musicales son solamente esos.
3. Visitas/Encuentros: Se definieron encuentros de retroalimentación para todos, algunos serán en el colegio y no son de ninguna manera una evaluación a nada, son una reflexión de todos hacía el trabajo que se está realizando; cada profesor es libre de invitar al Experto y Relator a ver fortalezas, flaquezas o ambas en los procesos de cada uno. Después vienen las mesas de reunión con los demás CEPA para organizar el documento general; por un lado, están las experiencias de cada uno y por otro, están las recomendaciones que se hacen a la política pública.

Se propone leer los escritos durante las próximas sesiones para que cada docente vaya avanzando en su texto y así poder construir y aportar entre todos para mejorarlo, pues uno de los objetivos de éste CEPA es promover y orientar la escritura.

ASPECTOS GENERALES DE DISCUSIÓN:

- Diálogos entre las músicas. Cómo se están viendo entre géneros.

- La no universalidad de la música, de sus significados, representaciones, contextos, lugares, interpretaciones, sentires y subjetividades.

- ¿Cómo ligar el disfrute y el conocimiento para generar verdaderas y trascendentes enseñanzas?

- Qué es el lenguaje, cuál es su propósito, y qué se está entendiendo por universal.

-¿Cuál es el perfil del maestro de arte cuando se le reconoce como tal?

- Mostrar procesos/productos como medio para el reconocimiento de la individualidad, de la labor del artista.

- Hacer música para nosotros mismos, desde adentro, subjetivamente, no siempre pensando hacía afuera, en complacer al espectador sino a si mismo también.

- Aparte del disfrute de hacer música o arte en el aula, cómo se manejan los momentos de dolor, tristeza o incomodidad ante un estudiante que no disfruta en absoluto la actividad o que siente que no tiene el suficiente talento o destreza para hacer las cosas.

Marleny Méndez. Está interesada en charlar con el Profesor Guillermo Aldana pues le llama mucho la atención que muchos de los estudiantes que tienen un excelente desempeño musical son muy buenos en matemáticas y física, y quiere ahondar sobre ese tema para su escrito; está leyendo acerca del trabajo de Rodolfo Llinas, y le recomiendan que busque a Howard Garnerd con su Proyecto Zero que trabaja sobre la Creatividad en la Música.

Se lee el texto de Santiago Piñerúa que plantea al inicio, citando a Bernard Lortat-Jacob, la duda acerca de la música como lenguaje no universal y algunas implicaciones que trae consigo está afirmación. A lo largo del texto va evidenciando y desarrollando posturas que van afirmando la no universalidad de la música: la lectura de los códigos propios de la música se constituye en el primer obstáculo para aquellos que no los conocen, y entonces se pregunta qué pasa entonces con quienes no tienen los conocimientos necesarios para apreciar expresiones musicales y cómo la enseñanza musical está tratando estos obstáculos.

Cree que cada práctica musical no tiene el mismo sentido ni significado para cada persona, pues depende de su entorno cultural y su realidad, por lo que se pregunta por la relación entre el arte y otras actividades significantes y la manera en que estás generan visiones únicas, por eso cree que “enseñar música debe pasar primero por la formación de lo sensible y del juicio” siendo ésta la labor del docente como orientador y constructor de conocimiento con sus estudiantes. En esa enseñanza deben establecerse relaciones con el entorno y guías para construcción de carácter y personalidades, por eso una de esas maneras de relacionarse es mostrar ante un público parte del trabajo que se realiza en la enseñanza musical, pues son éstos los espacios en los que se evidencian y comparten las construcciones conjuntas.

Después de exponer de entrada la premisa de la música como lenguaje no universal se generó un debate. La profesora Marleny le pregunta por qué cita que la música no es un idioma universal, pues ella cree que en los que manejan el idioma, los símbolos y los signos sí se considera como tal. Santiago cree que la música pensada como músicos sí lo es, pero cuando suena,  independientemente de los códigos, no cualquier persona la entiende.

El profesor Harold opina que si uno no se va tan allá de la música como lenguaje universal la música es música, sea cual sea la clase social a la que se pertenezca; cada uno desde su universo considera la música como tal, y la hace de diferentes maneras, con distintos o iguales instrumentos y cada uno le da su propia interpretación, por lo que la música si es universal. Cita que “la música es el único arte que se escucha en el cielo” y así la aborda con sus estudiantes, tratando de mostrarles lo bonito que tiene la música.

El profesor Esteban dice que si el arte musical es un lenguaje o no es responsabilidad del docente acercar a los estudiantes a que entiendan ese lenguaje, ayudarlos para que lo escuchen y lo disfruten, para que lo conozcan; en éste punto el profesor Santiago reafirma su tesis de la formación sensible del individuo, y de la subjetividad que rodea a cada práctica

Santiago se pregunta por qué en otras áreas como castellano se pide al estudiante que llegue a niveles altos de calidad como escribir ensayos pero no se le pide hablar de manera correcta, o en matemática se enseñan cosas de alta calidad que muchas veces no se aplican. Cree que en música se apunta muchas veces a hacer procesos de calidad que son demasiado enmarcados en la disciplina, se quiere formar a los estudiantes muy seria y académicamente para saber muchas veces hay conocimientos que van a usar o que van a olvidar, o también que a veces solo se apunta a que la clase se use cómo una lúdica, entonces cómo ligar el disfrute al conocimiento para enseñarles cosas con gran nivel que les sean útiles para que ellos tengan las herramientas necesarias para seguir estudiando música, que lo que se les enseña en el colegio les alcance para seguir, y que los que no desean continuar de todas maneras puedan disfrutar la práctica sin generar frustración.

Marco: La universalidad del lenguaje musical es algo discutible, pues primero hay que definir qué es el lenguaje y cuál es su objeto, su propósito, y a qué llamamos universal. Se piensa que el lenguaje es lo escrito, pero solo es una parte de él; el lenguaje en su mayoría de formas es oral, hay otros que no son articulados y su objeto no es comunicar, y ahí están las artes. Cree que comunicarse con el lenguaje articulado que es tan puntual  y preciso es difícil pues se generan intensiones y significaciones diversas, por eso los lenguajes que se utilizan para expresar son diferentes, no se usan para comunicarse solamente sino para expresarse. La escritura musical es una manera de formalizar alguna parte de ese lenguaje, hay otras que son intraducibles, pueden llamarse idiomas, no todos son iguales, tienen cosas que se entienden o se comparten pero no se comprenden totalmente.

También habla acerca del trato a la música como si ésta fuera una sola; cree que no existe la música sino las músicas, y que la cultura hace que tengamos diferentes lecturas musicales, la cultura del sonido es diferente, hay conceptos como el tiempo o el ritmo que son básicos pero no se sabe si sea universal, pues se supone que lo universal es lo que trasciende de su comunidad y se va a otras partes, y vemos que en cada comunidad se hacen versiones propias con los sonidos. Las músicas dependen de su contexto y sí se salen de ahí pierden muchos de sus significados y por eso pierden su connotación universal. Santiago hace pensar desde su escrito en el sentido de la música y en su oficio, quién reconoce la música, quién dice qué está bien o mal. La música tiene unos signos que no sabemos leer si no estamos dentro del entorno, por eso hay que tener el lenguaje. Los elementos de la música son universales, los elementos los son, los significados no. Dialogo del que tiene los elementos interiorizados con el que tuvo que estudiar para poder interiorizar.

La profesora Marleny se pregunta si entonces hay que hablar la música en dos lenguajes, desde el lenguaje clásico y desde el popular, ¿enseñar de maneras diferentes? ¿Vale la pena enseñar a escribir música a los jóvenes? Uno como profesor no tiene por qué sabérselas todas, uno se mata enseñándoles a escribir partitura.

Giovanna: Muchas veces la música se convierte en un lenguaje excluyente, y entonces queda la pregunta de si uno no se acerca formalmente a la música entonces no la puede disfrutar. El acercamiento a ese lenguaje y lo que yo leo de ella depende de diversas miradas, diversos referentes, construcciones y significaciones dependiendo de lo que cada uno es, de su contexto. El texto del profesor Santiago invita a reflexionar la manera en cómo, desde el papel del docente, se está guiando a los niños, cómo se les está enseñando la música, se les está permitiendo que descubran cosas o se les están enseñando esos prejuicios de entorno y significado que tenemos como músicos.

El profesor Santiago cree que lo que debe lograrse es cambiar el pensamiento y la manera de escuchar para afectar al individuo y sus maneras de percibir independientemente de lo que sea. El lenguaje que se maneja es demasiado elaborado para entenderlo, requiere un entrenamiento previo para poder hacerlo entonces ¿a qué se apunta cuando se está formando a los estudiantes, a qué lo entiendan o a qué lo vivan?

Marco le pregunta al profesor Luis Carlos acerca del Pensamiento Musical. Se habla del área artística, eso existe en los lineamientos de la Secretaría pero en muchos de los colegios eso no existe, por cuestiones logísticas unen al de artes con otras cosas, ¿entonces cuál es nuestro perfil cuando tenemos presencia en el área artística, cuándo se nos reconoce como tal? ¿Cómo me entiendo yo desde mi individualidad y mi oficio cuando pertenezco al tiempo libre y no al área artística? ¿Qué tengo que generar como profesor de tiempo libre?

Por otro lado, el profesor Luis Carlos cree que la filosofía se ha gastado mucho hablando del ser, luego del espíritu y ahora del lenguaje, y que todo se volvió lenguaje, entonces se pregunta por qué tiene que ser la música un lenguaje y sí se volvió lenguaje para validarlo dentro de un sistema.

El oficio de mostrar se parece, históricamente, al de los servidores de la nobleza, los que debían mostrar para los patrones, y hoy se muestra en el concierto o en el colegio, así es, pero no siempre ha sido así. Hay comunidades donde la música tradicional tiene la misión de construir unos valores, de mostrar períodos históricos y sociales, no se paran a mostrar al frente de alguien si no que está dentro de, entonces como lograr en el espacio pedagógico que no siempre hay que hacer música para otros, se puede hacer música porque nos conocemos, porque nos gusta cantar, porque desarrollamos pensamiento; tenemos que demostrarnos al interior nuestro, que la música sea un ejercicio para dentro y no para afuera, si es así el aprendizaje del niño termina siendo lo menos importante.

Cuando se intenta que sea para adentro, por la razón que sea, maneja una lógica diferente. No puede ser que la esencia de una cosa esté dada por un ser externo, las cosas valen por el uso que les doy; la música es un lenguaje independientemente de que yo la entienda o no, el problema de la música es que los referentes  no son los mismos para todo el mundo, no sé qué le genera a cada uno escuchar un tema, las imágenes que se dan. El que yo no entienda no significa que pierda sentido.

El profesor Santiago cree que hay que dar igualdad en las oportunidades para pertenecer a un grupo o a una actividad musical, pues muchas veces los mismos docentes se encargan de seguir excluyendo al que no tiene mucho talento frente al que lo demuestra; cree que hay que pensar más allá en dar la oportunidad de explorar, que sea un goce, que sea para cada uno lo haga bien o mal (entrando en sintonía con el profesor Luis Carlos), que cuando esos niños crezcan sientan que lo hicieron, que lo intentaron, que lo lograron, y no que queden sensaciones de frustración, que no se queden los sueños y los proyectos de vida a un lado: “ de pronto estamos marchitando flores en el proceso”;  que cualquiera tenga la suficiente formación para que cualquiera pueda ser músico, incluso el que no tiene mucho talento que a punta de esfuerzo y estudio lo logra.

El profesor Esteban cree que el punto que trata el profesor Luis Carlos de los referentes externos que validan es un punto clave, pues no sabe dónde queda la subjetividad de los lenguajes, la música tiene mucha subjetividad y a cada persona le transmite y le representa cosas diferentes. En el lenguaje escrito o hablado no hay cosas que transmiten mensajes también, como los gestos, el lenguaje corporal, será que solo las palabras o las notas son las que expresan, dónde queda lo que siente el cuerpo, se puede decir que la música es un muy lenguaje subjetivo, que transmite cosas que no son inteligibles y que no pueden ser traducidas solamente en notas.

Marco pregunta al profesor Harold sobre la validación de las músicas, sobre cómo es el trabajo en una banda marcial, pues se ve como una actividad más de Educación Física que de música. Él cree que por encima de marchar es trabajar en conjunto y desarrollar en los muchachos la creatividad y responsabilidad hacía el trabajo, hacía el estudio, la convivencia, generar el cambio a partir de la banda, generar ganas de trabajar; se le da variedad a la práctica, tocan merengue, salsa, les muestra diferentes ritmos, amplia el espectro.

Se muestra no solo en la tarima sino en reconocimiento, en cambios de actitud.

Marco comenta que Harold pone en escena un elemento debatible en el que se quiere que los niños y el trabajo que se hace con ellos gire en torno al disfrute, pero qué pasa en el momento en el qué no lo disfruta, en el que se siente mal por no poder hacer las cosas, en el que llora por no lograrlo, cuando se genera angustia. ¿Cómo el trabajo se relaciona con estos momentos y cómo en la clase se maneja lo que no es placentero en el aula?

El precio de las cosas, el disfrute y el dolor.

Harold: Hace algo más que sonar, espacio de relajación a través de los chistes. No se puede generalizar, con algunos estudiantes o grupos no se pueden hacer algunas actividades. Con el curso 703 no se ha podido hacer mucho. Se debe perseverar.

Esteban: No hace discriminación, trabaja con todos.

Santiago: hay que enseñar a los estudiantes cuando las cosas no se dan, es parte de la preparación. Qué hacer con los que quieren y no son buenos y con los que no quieren.

Marleny: Cree que perseverancia es lo que hay que tener.

Luis Carlos: ¿Por qué a todos nos debe gustar el arte? Porque le voy a dar un niño a una sociedad para que lo eduque si yo no confío en esa sociedad. ¿Lo que se hace en la escuela tiene que ser obligatorio? ¿Por qué debemos mostrar cosas a nivel profesional? En la escuela hay procesos de formación. Qué momento es de preparación, de muestra, de proyección.

Acerca del Cuerpo.

Luis Carlos: En un Congreso en Buga le mostraron el coro de Buenaventura a la maestra Dina Guerra (cubana), la maestra pregunto si siempre cantaban así de feo, y el problema estaba en el movimiento. El movimiento. La experiencia de integración corporal viene sobre todo de los niños. La integración entre música y movimiento es bailar. A través de lo instrumental es la manera más orgánica, en las bandas pelayeras se ve un buen ejemplo de esto.

Santiago: cuando se exagera es el cuerpo en movimiento el que se lleva el centro de atención y la atención hacia la música se pierde un poco. De veras en algunos casos hay condiciones técnicas y biológicas que limitan, también lo conveniente. Es difícil pensar el cuerpo en la música porque estamos acostumbrados a no pensarlo.

Acuerdos: descansar y trabajar en la semana de receso, terminar las lecturas de los escritos en la próxima sesión, preparar el cronograma de visitas.